Black Sabbath

Año: 1963 Pais: Italia Director: Mario Bava Nombre original: "I tre volti della Paura" Versión: European DVDRip

¡Ah! ¡Una antología! Hace rato que no veía una antología de historias de terror y era casi imperdonable que un auto-profesado fan del cine de horror como yo nunca hubiera visto una de las más reconocidas del género: Black Sabbath (o "I tre volti della Paura" en italiano. "Las tres caras del miedo), del maestro italiano Mario Bava.

Las tres historias que nos cuentan son: “El Teléfono”, sobre una mujer que es atormentada por las llamadas de un hombre que amenaza con matarla. “El Wurdulak” en que un viajero se refugia en una posada cuya familia espera de regreso a su padre, que varias noches atrás los abandonó para matar a un supuesto vampiro. Y por último “La Gota de agua”, donde una mujer que va a preparar el cuerpo de una recién fallecida toma una muy mala decisión.

Estos cuentos no podrían ser más temáticamente diferentes. Mientras el primero es un “Giallo” con mucho suspenso las otras dos son historias sobrenaturales de vampiros y fantasmas bastante típicas. Ninguno de los tres tiene giros especialmente sorprendentes y su evolución es bastante típica. Cualquier que haya visto antes una película del género fácilmente puede adivinar cómo terminarán.

Afortunadamente la gracia de este film no está tanto en las historias en si sino en todos los aspectos que las rodean. Este es un film bellísimo, lleno de color y estilo. La primera historia se desarrolla en un apartamente elegantísimo lleno de luz y detalles mientras que El Wurdalak y La Gota de Agua se destacan por unos ambientes más góticos en las montañas europeas, en un convento abandonado o en una mansión en decadencia habitadas por gatos negros. La iluminación aprovecha al máximo el technicolor brindándonos rojos, verdes y violetas muy vivos que en combinación con la bizarra musicalización resultan toda una experiencia.

En el aspecto actoral cabe destacar no solo la increíble belleza de las protagonistas de los cortometrajes sino también la presencia del gran Boris Karloff que no solo interpreta al ser vampírico que hizo icónica a esta película, sino que también nos brinda unas graciosas secuencias de introducción y cierre.

No creo que haya mucho más que decir de Black Sabbath. Hoy en día puede resultar demasiado familiar o simple, pero en su día fue increíblemente influyente e importante (Hey! No por nada cierta banda se cambió su nombre en honor a ella). Es casi un deber de todo amante del horror verla y me siento culpable por haberme demorado tanto en hacerlo.

Lo Bueno: Gran manejo de la ambientación. La presencia de Boris Karloff.

Lo Malo: Ninguna de las tres historias resalta demasiado. Tienen un desarrollo demasiado familiar..

Lo Feo: Hay versiones fuertemente editadas y censuradas rondando por ahi. Espero logren encontrar la correcta.

CALIFICACIÓN: 7/10

The Purge: Election Year

Año: 2016 Pais: USA Director: James DeMonaco Género: Asesinos Versión: Teatral

La verdad es que si iba a escribir una review de The Purge: Election Year, pero eventualmente terminé escribiendo en ella tanto de las películas anteriores que mejor decidí convertirla en una análisis completo de toda la trilogía y publicarlo en GamerFocus.

Pueden leerlo aquí: http://www.gamerfocus.co/cineytv/trilogia-la-purga-analisis-fondo/

Lo Bueno: El manejo del trasfondo político. Algunos momentos muy inspirados de dirección de arte.

Lo Malo: Se le nota el bajo presupuesto en sus escenarios repetitivos y mal trabajo de iluminación.

Lo Feo: Que el villano no se llama Ronald Drumpf.

CALIFICACIÓN: 7/10

The Shallows

Año: 2016 Pais: USA Director: Jaume Collet-Serra Género: Animales asesinos Nombre en español: Miedo en lo profundo Versión: Teatral

Ah! Una película con un tiburón asesino! El pan y el agua de los amantes de las malas películas de horror. El 90% de la programación de SyFy channel.

Las películas de tiburones suelen tener muy mala reputación ¡Y CON RAZÓN! Existen cientos de ellas (de verdad, cientos) y no creo que exagero si digo que el 99% de ellas son terribles. Pero esta no es una basura CGI lanzada directo a DVD, ni una “exclusiva” del canal de Sharknado. Esta es una película de supervivencia hecha y derecha llena de momentos de pura tensión y suspenso.

Nancy Adams (Blake Lively) es una mujer que siguiendo los pasos de su fallecida madre ha llegado a una playa secreta en México para surfear, pero tras una tarde de diversión en las olas es atacada por un gran tiburón blanco (una gran tiburón blanca, para ser precisos) y busca refugio en una roca. Pero la marea eventualmente va a subir y debe buscar la forma de salvarse antes de que esto ocurra o no habrá nada que la salve de la enorme criatura.

El desarrollo no es muy diferente al de otras películas de supervivencia en que un protagonista queda atrapado en un solo lugar. La desesperación inicial, la recursividad para curar sus heridas, la aceptación de la posible muerte y finalmente la voluntad y resolución de luchar y vivir. Todo esto ya lo hemos visto en otras películas pero la gracia de esta fórmula es verla aplicada a diferentes situaciones y escenarios. En este caso en un bellísimo y paradisiaco paraje tropical.

Detrás de toda la lucha de Nancy se encuentra una historia de un drama familiar y una persona abandonando los retos de la vida. Es un trasfondo muy cliché que hemos visto cientos de veces en toda clase de historias, así que no me extrañaría si muchos de ustedes ruedan los ojos con ello. Lo bueno es que al menos funciona como metáfora. The Shallows hace un paralelo entre la vida de la protagonista y su madre con varias situaciones y la lucha contra el tiburón (ejem... disculpen, la tiburón) pretende relacionarse temáticamente con la lucha de su madre con el cáncer y hasta cierta parte funciona (gracias a simbolismos como el de la “isla de la mujer embarazada”) pero a la larga se siente innecesario. Esta podía ser la historia de una mujer o un hombre sin ninguna carga emocional en su pasado contra la misma criatura y resultar igual de interesante.

Claro que para mantenerse interesante durante todo su metraje la película se lleva a si misma a algunos extremos. No se puede repetir mucho los mismos escapes a nado así que para su recta final se recurre a una pelea de “jefe final” que raya en lo exagerado. Si, es emocionante y logró mantenerme al borde de mi asiento, pero al pensar sobre ello resalta por lo inverosímil y absurdo que resulta.

Tambièn descubrí que no tengo ni la más remota idea de cómo funciona una boya.

Quiero hablar bien de las proezas técnicas de la película. El tibu... La tiburón es una creación en CGI pero luce absolutamente fantástica y creíble por lo que su mera presencia logra crear miedo y tensión. No puedo decir lo mismo de otros momentos como la infame sección con las “medusas” ya que estas lucen como salidas de un videojuego de la década pasada.

Algo de lo que tal vez no se dieron cuenta es que más del 90% de esta película no está grabada en locación sino en un tanque de agua en un estudio, pero el trabajo de composición e iluminación es tan bueno que no nos hace dudar en ningún momento que estamos en esa bella playa. Las tomas cenitales y aquellas cuyo objetivo es deleitarnos con el paisaje realmente quitan el aliento y nos hacen dar ganas de estar allí (solo que sin tiburones, gracias).

Y lo que dejé para lo último, ya que es lo mejor del film, es la actuación de Blake Lively. Esta mujer logra mediante pura expresión corporal transmitirnos todo su miedo, desesperación y resolución. Su limitado atuendo puede parecer algo gratuito, pero ayuda a aumentar la sensación de vulnerabilidad sobre ella. Claro que también se le da un pequeño compañero para que tenga con quien hablar un poco, una gaviota herida a la que apropiadamente llama “Steven Seagull” (Best. Pun. Ever). Este animalito puede no hacer mucho, pero resulta crítico en el desarrollo del personaje de Nancy y simplemente es agradable verlo ahí, siempre, entre las rocas.

The Shallows es cheesy, MUY CHEESY, pero al igual que todas las películas de Jaume Collet-Serra (House of Wax, Orphan, Unknown) no es una película muy original pero si atrapante y visualmente muy interesante que vale la pena ver (esa toma de la pantalla cubriendose de sangre bajo el mar... wow). Siento que en el futuro las películas de este señor van a ser redescubiertas y muy bien apreciadas.

Además puedo decir que es la 2da mejor película de tiburones asesinos que he visto. Justo debajo de Jaws y un poco por encima de Bait (Me gustó Bait. No me juzguen)

Lo Bueno: La actuación de Blake Lively, el paradisiaco escenario y el manejo de los momentos de tensión.

Lo Malo: El trasfondo con el drama familiar no choca, pero era innecesario.

Lo Feo: La escena con las medusas y un par más resultan muy, muy falsas. No vimos una batalla épica y sangrienta entre la tiburón y Steven Seagull

CALIFICACIÓN: 7.5/10

Lights Out

Año: 2016 Pais: USA Director: David F. Sandberg Género: Fantasmas Versión: Teatral

El 19 de abril de 2014 publiqué en este blog un escalofriante cortometraje llamado Lights Out el cual se había vuelto viral en Internet. En ese artículo me preguntaba “¿Cuánto demorará algún idiota de Hollywood en querer convertirlo en una película?”

No mucho, obviamente.

Y me retracto de haber llamado idiota a Lawrence Grey, pues tuvo la genial idea de dejar que el mismo creador del corto se encargara de escribir y dirigir la película y se alió con James Wan para producirla. Ambas fueron excelentes decisiones pues el resultado final es una película bastante efectiva.

El concepto es el mismo del corto. Una entidad que sólo puede manifestarse en la oscuridad. Este no es un concepto raro y de inmediato me recuerda a otras películas como Darkness Falls, Pitch Black o en cierta forma a ese gran episodio de The X-Files que es Folie a deux. En general la idea de la oscuridad como peligro ha sido utilizada y sobre-utilizada en el cine de horror, pero la verdad es que pocas veces ha sido utilizada de forma tan literal como aquí.

El monstruo de turno se llama Diana y la única forma de evitar que ella te destroze es permaneciendo bajo una fuente de luz. Las reglas sobre como “funciona” este ser son establecidas rápidamente y los personajes tampoco pierden el tiempo en descubrir cómo estar a salvo. Lo bueno es que Diana es tan agresiva como puede serlo un fantasma y aún de día busca la forma de llegar a los personajes ya sea en habitaciones con las cortinas cerradas o incluso desde debajo de la cama (creando muy buenos “jump scares”). Esto fuerza a los personajes a ser creativos, pensar rápido y buscar aprovechar cualquier posible fuente de luz. Algunos de los mejores momentos del film se dan incluso gracias a la iluminación de fuentes no muy convencionales, como el parpadeante anuncio de un local de tatuajes.

El problema es que esto haría que Diana fuera bastante fácil de evitar, simplemente no se apagan las luces y listo... lo que fuerza al guiòn a recurrir a fallos de energìa que llegan en momentos tan precisos que no pueden ser coincidencia. Nunca queda claro si estos podían ser causados por Diana o no. No tendría sentido que fuera así, como tampoco tiene sentido que no ataque en algunas ocasiones en que los protagonistas son la presa más fácil del mundo.

Algo que no me gustó para nada es la forma en que se presenta el trasfondo de la historia. La película prácticamente se detiene en un par de ocasiones para que los personajes puedan investigar y explicarse entre ellos los orígenes del horror que están sufriendo, los cuales son narrados mediante las típicas tomas de edición rápida con filtro “setentero”. Es un cliché y aunque buena parte del público aprecia estas cosas, yo hubiera preferido a que se mantuviera un mayor misterio sobre la historia con tal de no tener que recurrir a una narrativa tan barata.

Me resulta interesante que los orígenes y naturaleza de nuestra fotofóbica villana están relacionados con la enfermedad mental de uno de los personajes y no es muy difìcil darse cuenta que ella funciona como una metáfora de lo complicada que es la vida de una persona que sufra de una de ellas. Vemos una familia disfuncional en que todos se quieren pero no pueden vivir unos con los otros sin hacerse daño, incluso en ciertos momentos podemos ver las cosas desde el punto de vista de la persona enferma y lo mucho que sufre al saber que está haciendo daño a ellos que ama y no puede controlarlo. Estoy bastante seguro que este no es simplemente una lectura del film y que era la intención de los creadores hacerla así. Incluso hay una escena en que los personajes niegan directamente la existencia de los fantasmas haciendo una relación directa con la enfermedad de la que sufre una de ellas. Es una mirada interesante y diferente sobre este tema pero que puede resultar bastante controversial tomando el final del film... que no voy a spoilear aquí, obviamente.

Otra cosa a lamentar, al menos a mi gusto, es el diseño de la villana. Obviamente hay momentos del film en que nos permiten ver cómo luce y me decepcionó ver que es una apariencia de persona quemada bastante normal en términos de efectos especiales y de “looks” de monstruos de películas. Una lástima ya que yo esperaba ver algo similar al cortometraje, donde la criatura tiene una apariencia que me perturba aún hoy en día.

En cuanto a actuaciones me encanto ver de nuevo a la bellísima Teresa Palmer, que cada vez estoy viendo aparecer en más películas y me sorprendió ver por aquí a la gran Maria Bello. No soy muy fan de la actuación infantil de la película, que me pareció muy irregular y hay momentos en que no funciona para nada.

Lights Out se convirtió en un éxito inmediato de taquilla que en su primer día en cines ya había casi duplicado su costo de producción. David F. Sandberg probó que tiene mucho talento y voy a estar muy pendiente de lo que venga en su carrera (aunque espero que mejore sus guiones) y de la inevitable secuela de esta película. Creo que a diferencia de films basura como Annabelle o Ouija esta sí merece ese éxito. Es una película llena de buenos sustos y tensión, con una villana y unos temas muy interesantes, aun a pesar de que su trama llega a ser muy genérica por momentos.

Lo Bueno: El concepto de la “luz” se aprovecha muy bien para crear buenos momentos.

Lo Malo: Tiene bastantes momentos de drama barato y revela su trasfondo de una forma típica y llena de clichés.

Lo Feo: Tomando en cuenta la metáfora que maneja su desenlace puede resultar... mmmm.... “incómodo”.

CALIFICACIÓN: 7/10

Ghostbusters

Año: 2006 Pais: USA Director: Paul Feig Género: Fantasmas Versión: Teatral

Pueden leer mi crítica de Ghostbusters en GamerFocus: http://www.gamerfocus.co/cineytv/cazafantasmas-la-resena/

Lo Bueno: Un genial y muy divertido elenco. El diseño de los fantasmas.

Lo Malo: No todas las bromas funcionan y carece de un buen villano. Se nota que muchas tramas y escenas fueron cortadas del film para hacerlo mas corto.

Lo Feo: La campaña de acoso e insultos que acompañó al film de parte de muchos seguidores inmaduros de la película original.

CALIFICACIÓN: 7/10

The Serpent and the Rainbow

Año: 1988 Pais: USA Director: Wes Craven Género: Brujería Versión: DVDRip

Desde que George A. Romero nos presentó su influyente Night on The Living Dead en 1968 tenemos una idea muy precisa de lo que es un zombie. Esto básicamente ha borrado de la cultura popular la representación “real” de lo que se solía conocer como “zombie”, que eran las personas “traídas de la muerte” por un sacerdote vudú. Estas personas en realidad no son muertos vivientes, sino que por los efectos de una droga han dado la impresión de estar muertos y luego son recuperados de la tumba con daños mentales.

The Serpent and the Rainbow es una de las pocas películas “Post-NOTLD” que tratan a los zombies desde este ángulo. En ella seguimos a Dennis Alan, un hombre que es enviado a Haití por una compañía farmacéutica, a investigar la supuesta droga capaz de hacer que un hombre pase por muerto con la idea de crear un nuevo tipo de anestesia. Tan pronto nuestro protagonista llega a la isla esta se convierte en una de esas películas de “turistas en peligro”. Ya saben esos films en que personajes blanc... del primer mundo visitan tierras subdesarr.... digo, “exóticas” y terminan poniéndose en peligro a manos de los peligrosos negr... habitantes.

En este caso el peligro al que se enfrenta es el capitán Peytraud. Comandante de las fuerzas policiales de Haití y un poderoso hechicero Vudú. Un hombre que lo atormentará tanto físicamente como mentalmente.

Y es que a pesar de la aproximación “científica” con la que parece tocar el tema de los zombies, definitivamente esta es una película sobre magia negra y hechicería. Podremos ver algunos ritos vudú y sus efectos, los cuales a veces se traducen en unos geniales efectos prácticos. No vamos a ver monstruos ni nada por el estilo pero podremos disfrutar de unas secuencias oníricas de una gran calidad visual y mucha carga simbólica que los amantes del horror ochentero disfrutaremos sin duda. La mano del creador de A Nightmare on Elm Street se nota a leguas y es que definitivamente esta fue la mejor época de Wes Craven. Eso no la salva de tener algunos momentos genialmente “ridículos”, como cuando Dennis invoca a su espíritu animal para que le ayude a luchar.

Lo más interesante de esta película es que trata, y trata con ganas, de hacer un comentario político. La acción se desarrolla durante el régimen de Jean-Claude “Baby Doc” Duvalier, el tirano que controló Haití desde 1971 y al hacer a su villano la mano derecha de este hombre el film trata de comparar la forma como este convierte a sus víctimas en zombies con el abuso de Baby Doc contra su paìs. Pero la metáfora se queda a medias y solo cobra algo de vida al final cuando se nos muestra la revolución que lo derrocó.

Pero es gracioso que involuntariamente la película sí termina haciendo comentario político, pero en contra de los Estados Unidos. Dennis (Que no he mencionado, es interpretado de forma bastante plana por Bill Pullman) va en búsqueda de la droga para usarla en beneficio corporativo,  lo que no se puede leer de otras manera más que como Estados Unidos apropiándose de las costumbres y recursos de países menos desarrollados para su propio enriquecimiento. Tampoco ayuda que la imagen que se da de Haitì es la que les gusta a los gringos para respresentar a su patio trasero. Lugares feos, pornomiseria, un exotismo en lo “raro”, en las costumbres de los “menos cultos”, y claro, al final el hombre blanco termina derrotando a los locales con su propia magia, porque los gringos son lo mejor en todo, hasta en las costumbres de los demás.

Pero crítica social aparte, me gustó muchísimo esta película. Es vibrante, llena de momentos interesantes, buenos efectos y de una visión del vudú y los zombies que tristemente no se ve mucho en los medios. La historia en si y los personajes no son lo más atractivo del mundo, pero Wes Craven supo como usar el resto de elementos en su favor.

Lo Bueno: Una visión diferente del vudú y los zombies. Muy buenos efectos especiales y algunas escenas inolvidables.

Lo Malo: Que se queda a medias en su intento de hablar sobre el reino de terror de Duvalier.

Lo Feo: La voz en off del narrador no solo resulta “cheesy”, sino que es absolutamente innecesaria y se limita a contarnos lo que ya estamos viendo en pantalla.

CALIFICACIÓN: 7/10

The Conjuring 2

Año: 2016 Pais: USA Director: James Wan Género: Lugares malditos Nombres: “El Conjuro 2” - “Expediente Warren 2” Versión: Teatral

Pueden leer mi crítica de The Conjuring 2 en GamerFocus: http://www.gamerfocus.co/cinetv/conjuro-2-la-resena/

Lo Bueno: La pareja protagonista es memorable, simpática e interesante. Maneja muy bien el suspenso y los sustos.

Lo Malo: La trama es débil y le falta coherencia.

Lo Feo: Los Warren probablemente no eran tan "cool" en la vida real.

CALIFICACIÓN: 7.5/10

Kairo

Año: 2001 Pais: Japón Director: Kiyoshi Kurosawa Género: Fantasmas Versión: DVDRip

Kairo (o Pulse para los amigos) es una película bastante interesante de ver en la actualidad. Cuando salió originalmente en cines a comienzos del siglo XXI, en pleno furor del J-Horror, el Internet se “sentía” muy diferente a lo que es ahora y yo temía que un film que tiene como tema central la comunicación a través de la tecnología se pudiera quedar obsoleto o incluso resultar ridículo en este nuevo contexto.

O quien sabe, tal vez incluso resulte más relevante que nunca. Veamos.

En esta película tenemos dos líneas argumentales. Por un lado seguimos a una chica que tras descubrir el suicidio de un compañero de trabajo comienza a notar cómo las personas a su alrededor comienzan a suicidarse o a desaparecer sin dejar rastro. Por otro lado un joven no muy hábil con el manejo de computadores descubre que su equipo comienza a conectarse por sí solo a internet y accede a un extraño sitio web que le promete “mostrarle a un fantasma”. Tras buscar la ayuda de una profesora de ciencias computacionales comienza a notar actitudes extrañas en las personas y a ver estos “fantasmas” en el mundo real.

Esta intrigante trama fácilmente podría funcionar en la misma vena de películas de fantasmas orientales como Ju-On o Ringu y en muchos sentidos se les parece a estas y a otras del mismo estilo, pero Kairo va mucho más allá de los simples sustos y apariciones espectrales, de hecho, es una película sin muchos momentos aterradores. Hay algún par de momentos que se te meten bajo la piel, pero no tiene un solo jump scare y cuando pone a los “fantasmas” en pantalla rara vez pretende hacernos brincar (aunque la escena de “Tasukete” me sigue causando escalofríos).

No, Kairo busca asustarnos de un modo diferente. Mediante su trama, su ambiente frío y desolador y una atmosférica banda sonora quiere hacernos sentir tristes y aterrorizados ante ideas como la soledad, el aislamiento y la inexistencia. El Internet y los computadores tienen una fuerte presencia en la trama como herramienta social y se presentan como una materialización de la forma en que los seres humanos se encierran dentro de si mismos y se engañan con falsas relaciones de amor o amistad cuando en realidad están más solos que nunca. Las personas buscando una conexión con alguien más a traves de la red se comparan con fantasmas hambrientos de una conexión con alguien, pues están solos en el más allá y han comenzado a cruzar a nuestro plano en busca de ello.

Pero como dije al comienzo, el internet ha cambiado, ahora es (entre muchísimas otras cosas) una herramienta social que realmente ha unido a las personas sin importar distancias y culturas... ¿o no es así? Yo mismo he hecho grandes amigos que solo he podido ver en persona una vez... o nunca... ¿pero son esos vìnculos algo real? ¿son verdaderas amistades y relaciones? Yo argumentaría que si... pero es algo diferente menos... “personal” y a veces siento que nada puede reemplazar a tener cerca personas que lo quieren y se preocupan por uno, pero es solo mi opinión y creo que cada uno de ustedes piensa diferente sobre esto en un nivel u otro, en todo caso me encantaría saber si el señor Kurosawa opina sobre el Internet lo mismo que pensaba cuando hizo el film.

Aun eliminando al Internet como metáfora, el mensaje de esta película es claro y sigue dando qué pensar. El apocalipsis que nos presenta es uno inusual en el cine, es un final, lento, silencioso, melancólico. Apropiado para la especie humana. Esta película tuvo un remake gringo con Kristen Bell a mediados de la década pasada y resulta casi cómico ver como fracaso en entender el punto de la película, reduciendola a momentos “icónicos” como el suicidio de la torre de agua, el choque del avión o la escena del cuarto de computadoras bajo la premisa de “fantasmas en el internet”, dejando atrás todo lo demás.

Eso sí, no esperen en esta una película clara y concisa. Al igual que otros filmes japoneses como mi amada Jisatsu Circle peca de ambigua y densa. Muchos de sus elementos se presentan sin explorarse a tope y aunque a mi me gusta eso pues da espacio a la interpretación y análisis puede desesperar a muchos que quieren que les explique lo que realmente está pasando. Esto sumado a la falta de acción, a la forma lenta en que se desarrollan las escenas y a otros elementos realmente negativos como falta de elipsis narrativas, una edición confusa y personajes cuyas acciones carecen de lógica o sentido puede hacer que ODIEN este film. A mi me sigue pareciendo muy interesante y de vez en cuando sigo pensando en las ideas que propone.

Lo Bueno: Ideas interesantes. Perfecto manejo de una ambientación melancólica con una banda sonora apropiadísima.

Lo Malo: La edición de muchas escenas es confusa y parece incluso hecha por manos de principiantes.

Lo Feo: No me gusta la narración del final, se me hace muy inapropiada.

CALIFICACIÓN: 7.5/10

Howl

Año: 2015 Pais: Inglaterra Director: Paul Hyett Género: Hombres Lobo Versión: DVDRip

El sub-género de los hombres lobo es probablemente uno de los que más me gusta y uno de los que tristemente menos películas genera hoy en día. Mientras los gringos prácticamente han abandonado a los licántropos nos ha tocado mirar hacia los cineastas canadienses y británicos para obtener algunas joyas del nuevo milenio como Ginger Snaps, Dog Soldiers o Howl, que es de la que hablaremos hoy.

Esta es, en su descripción más básica, una película de asedio. Ya saben, un grupo de personajes atrapados en un lugar que no pueden abandonar a causa de una amenaza externa. En este caso es un tren nocturno de pasajeros que queda varado en medio de un bosque en las afueras de Londres bajo la luna llena. El conductor baja del tren a tratar de solucionar la avería y es rápidamente destrozado por una extraña criat... es un hombre lobo, no lo ocultemos que ya lo sabemos. Pronto los demás se dan cuenta y comienza una tensa lucha por sobrevivir. Como es de esperar en esta clase de films los monstruos no son el único problema y las diferencias y luchas entre los mismos protagonistas van a ponerlos en peligro más de una vez. Es un escenario que hemos visto una y otra vez en películas de zombies, pero el cambio de monstruo le da un sabor especial.

El 90% de Howl se desarrolla en un tren y tenemos muy breves momentos en el bosque que lo rodea y las estaciones de origen y destino. Es verdad que es un escenario repetitivo y poco interesante que no permite mucha sofisticación a la hora de las escenas de acción y de mover la cámara entre los personajes, pero tiene dos cosas que funcionan a su favor. En primer lugar esta no es una película especialmente larga y es bastante económica en cuanto a su narrativa por lo que termina antes de que pueda hacerse pesada. Y en segundo lugar el ambiente opresivo y físicamente pequeño ayuda a incrementar las tensiones entre personajes lo cual es en realidad la carne y verdadero conflicto de esta historia.

Hay un enfoque muy interesante a la hora de presentar a las potenciales víctimas de los hombres lobo: Sus trabajos. El film comienza con Joe, el guardián de tren protagonista, dándose cuenta que le rechazaron para el cargo de supervisor y es obligado a servir de guarda en el tren de medianoche, su compañera de servicio es una mujer que trabaja doble turno para pagar sus estudios y poder dejar ese trabajo mientras entre los pasajeros se cuentan una mujer cuyo trabajo la mantiene alejada de su hija, un ejecutivo sin escrúpulos o un chico que ha decidido no ir a la universidad a pesar de ser muy talentoso. Esta relación de los personajes con sus labores es su principal carta de presentación y la forma en que nosotros nos relacionamos con ellos y entendemos sus reacciones ante la situación.

La simple falla en el servicio del tren es un detonante que todos conocemos bien. Alguna vez hemos sufrido por la falla de un servicio por el que estamos pagando y entendemos la reacción. Vemos cómo los pasajeros se enfrentan al guarda y a la chica de servicio aun a pesar de que ellos también son víctimas de la situación. Esto me ayuda a poner en perspectiva muchas veces en mi vida en que también he “atacado” por un mal servicio a un simple empleado que no tiene la culpa de nada. En todo caso es bueno ver como, a fin de cuentas, estas diferencias deben ponerse a un lado para enfrentar la amenaza mayor, el depredador que los acecha.

Aunque no me enamoró el diseño de los hombres lobo si debo aplaudir el trabajo de diseño y efectos especiales. Estas son criaturas muy grandes que encajan con la descripción que se les da en varios mitos (yo personalmente prefiero los lupinos “de trompa”, pero hey, entre gustos...) y resultan realmente amenazadoras. Nada de extrañar si tomamos en cuenta que su director Paul Hyett trabajó en los efectos especiales de películas tan geniales como The Descent o la misma Dog Soldiers. Cuando estos seres aparecen en pantalla sabemos que van a pasar cosas horribles. La combinación de su brutalidad y el encierro de los personajes aumenta el suspenso y la tensión a niveles altísimos y bien sabemos que hay personajes que no van a salir con vida, siendo destrozados de formas terribles. Ah si! Hay mucho gore en este película y de buena calidad, resaltando la escena en la que se destroza a golpes la cabeza de uno de los hombres lobo.

Howl no es la mejor película de hombres lobo, ni de lejos, pero es una que sirve para llenar el vacio que ha dejado este género. La forma en que explora la moralidad y preocupaciones de personas trabajadoras y la forma en que se relacionan entre ellos es bastante buena y deja algunas cosas en que pensar, aunque eso al final no la aleja de muchos clichés y elementos más que reconocidos del género ( es fácil adivinar quienes sobreviven, quienes mueren y hasta el orden en que lo hacen). En todo caso la recomiendo muchísimo, aunque se puede vivir si la dejan pasar.

Lo Bueno: Extrañaba mucho a los hombres lobo, bienvenidos de regreso.

Lo Malo: En el fondo, es una película de asedio de zombies pero cambiando al monstruo.

Lo Feo: Yo quería ver licántropos “con trompa” :(.

CALIFICACIÓN: 7/10

The Visit

Año: 2015 Pais: USA Director: M Night Shyamalan Género: Cinema Veritas Versión: BRRip

Aun recuerdo la época en que el señor Shyamalan era la gran promesa del cine. Tanta era la esperanza puesta en él que incluso se le llegó a comparar con Steven Spielberg. Pero entonces comenzaron a llegar las películas no tan buenas... luego las terribles, y eventualmente el apellido Shyamalan terminó siendo sinónimo de malas películas y giros en la trama.

Parece que lo que necesitaba este director era volver a lo básico. Salirse del sistema de estudios, hacer un filme con bajo presupuesto y permitirse el corte final. El resultado es su mejor película en más de 10 años.

La historia es sencilla y algo común. Rebecca y Tyler son dos niños que van a pasar una semana visitando a los abuelos que nunca habían conocido. Al principio todo es ternura y comida, pero pronto queda claro que algo raro ocurre en ese hogar y que sus abuelos ocultan algo. Lo que hace especial esta película es que está grábada con cámara en mano.

Si, si, calma, yo se. En este momento el estilo cinema veritas o found-footage (o como quieran decirle) está muy desprestigiado tras muchos años de películas terribles que usan ese formato. Afortunadamente esta es una de las pocas que ha logrado aprovechar esta forma de contar la historia a su favor. Si este elemento (o el hecho de que sea una película de Shyamalan) es lo que los ha alejado de este film, les ruego que le den una oportunidad.

La excusa es que Rebecca tiene delirios de cineasta y planea convertir este encuentro con sus desconocidos parientes en un emotivo documental. Todo el tiempo esta chica está pensando en encuadres de cámara y en “capturar el momento” usando el lenguaje más pseudo-técnico posible mientras su hermano se cree todo un rapero. Lo curioso es que a pesar de ser adolescentes tercos y algo pretenciosos resultan ser bastante carismáticos y divertidos por lo que acompañarlos durante esta visita resulta ser no solo entretenido sino también tenso, ya que logran que nos preocupemos por ellos cuando la situación se torna realmente peligrosa. Supóngo que mi único problema con ellos viene de un trasfondo que me pareció algo forzado. En un momento de la película se nos cuenta que fueron abandonados por su padre, lo cual les ha resultado en unos traumas y problemas de auto-estima que no estan nada bien integrados con la trama, sintiendo que es un tema que nos están arrojando en la cara las pocas veces que sale a colación solo para que al final podamos considerar que están “enfrentando sus problemas”... aparte de a la posibilidad de morir, claro.

Los ancianos también nos presentan una grandiosas actuaciones y son bastante adorables (por lo menos al comienzo, claro, je je je). Incluso hay un momento en que resulta descorazonador ver que las cosas no están bien con ellos... entonces llega el inevitable giro en la trama (hey! es una película de ya saben quien después de todo) y aunque es algo que puede resultar bastante obvio también puede sorprender genuinamente a las audiencias menos detallistas.

Si hay un elemento que debo alabar por encima de todos los demás en esta película es su edición. A pesar de ser antes que nada una historia de terror, hay muchísimo humor en ella gracias a lo “peculiares” que son los abuelos en un comienzo, a los aires de grandeza de Rebecca y a las tonterías de Tyler. El punto es que el equilibrio entre risas y suspenso es casi perfecto y logran un muy buen contraste. Según he leído, Shyamalan hizo tres cortes diferentes de la películas hasta lograr encontrar ese equilibrio. Le aplaudo por eso, su trabajo dio frutos.

Ahora pasemos a los puntos negativos. Ya mencioné que el tema del abandono paternal y de superación personal está bastante forzado y que el giro puede resultar bastante obvio si se pone la suficiente atención pero debo agregar también que hay bastante escenas reiterativas y momentos que solo sirven para alargar la trama y hacer un poco tediosa la experiencia para los espectadores, no son muchos, pero se sienten. También es verdad que la historia es algo derivativa y que todos sus elementos los hemos visto antes en películas mejores, aunque tal vez sea una de las pocas veces que los veamos mezclados en el mismo producto, por lo menos existosamente.

Es una buena película y no merece que la ignores por ser hecha con cámara en mano o por la mala fama que se ganó su director. No fue una de las películas del año ni es nada memorable, pero pueden pasar un buen rato con ella.

Lo Bueno: El equilibrio entre humor y tensión.

Lo Malo: El giro puede ser muy facil de adivinar, aunque afortunadamente eso no hiere mucho al film.

Lo Feo: Esto no creo que moleste a la mayoría, pero la forma en que se muestra la vejez y las enfermedades mentales es supremamente negativa y puede molestar a alguien con algún familiar que sufra de ello. Como dije, no creo que sea un problema para la mayoría, pero ahí esta.

CALIFICACIÓN: 7/10

Goodnight Mommy

Año: 2014 Pais: Austria Directores: Veronika Franz y Severin Fiala Género: Terror psicológico Versión: BRRip

Esta película tiene un giro en la trama. Es de esos giros que se revela en las últimas escenas pero cualquier persona que sepa poner atención y que haya visto al menos dos películas con “sorpresas” en sus historias será capaz de descubrir de qué se trata a los pocos minutos de iniciada Goodnight Mommy, es más, esta tampoco se esfuerza mucho en ocultarlo y lo hace bastante obvio a pesar de no referenciarlo directamente. Afortunadamente esta no es una de esas historias que dependen de un giro para ser buenas y aunque lo descubras prematuramente igual puedes disfrutar de un desarrollo bueno y tensionante.

Esta es la historia de unos niños gemelos que viven en una casa de lujo en una bella zona rural. Su madre regresa tras una operación estética y ellos sienten que en realidad es una persona completamente diferente. En un comienzo las cosas no parecen ser más que los miedos y fantasías de unos niños pre-adolescentes, pero pronto las cosas comienzan a tomar tonos más oscuros, la paranoia se apodera del protagonista, las pesadillas se confunden con la realidad y todo desemboca en un tercer acto increíblemente agobiante y cruel.

Las actuaciones del trío protagonista son fantásticas. En todo momento sentimos la presión que existe sobre los personajes y la tensa calma que se vive en ese hogar. Todo el tiempo sabemos que hay algo mal en esa familia y tememos el momento en que la situación explote y se vuelva incontrolable... y vaya que explota! La última parte de la película supone casi un cambio de género en que el horror psicológico se mezcla con una buena dosis de Torture-Porn y hasta con elementos más característicos de los home invasion dosmilero. Lástimosamente lo que gana en tensión lo pierde en ritmo, y esta parte de la película debe recurrir a situaciones tan cliché como el de la visita inesperada para alargar un poco más el metraje y dar un poco más de drama a una situación en la que esto se siente innecesario.

A pesar de eso debo felicitar al director por un trabajo que, excepto por problemas menores como el mencionado, es increiblemente preciso. En los poco más de 90 minutos que dura logramos conocer casi todos los rincones de esa casa y queda claro todo lo que ocurre en cada momento. El diseño del lugar es perfecto, lleno de imágenes borrosas que ayudan a mantener la confusión entre sueño y realidad y de imágenes de insectos y bichos que mantienen la sensación de inquietud (aunque tal vez sea un mensaje subliminal diciendo que los niños son una plaga. Estoy de acuerdo).

En resumen: Goodnight Mommy es una muy buena película pero que solo disfrutaran aquellos que no temen a las historias más oscuras, perturbadoras e incluso crueles. Claro que hay films mucho mejores para mantener ese tono y este cae en algunos clichés bastante repetitivos, pero ojalá eso no los desanime.

Lo Bueno: La ambientación y el manejo del tono.

Lo Malo: Cae en algunos clichés. En ocasiones la trama se alarga innecesariamente.

Lo Feo: Se pudo manejar mejor el “giro en la trama” para hacerlo menos obvio. Afortunadamente este no es el centro de la película.

CALIFICACIÓN: 7.5/10

Spring

Año: 2014 Pais: USA Directores: Justin Benson y Aaron Moorhead Género: Criaturas Versión: BRRip

Hace algunos días decidí no escribir una reseña de la genial Bone Tomahawk. La razón? no era realmente una película de terror. Es un fantástico western, eso si, y es verdad que tiene un tema sobre canibalismo y un par de escenas que recuerdan al estilo de un slasher o un torture-porn. Pero estos son temas que no se alejan tanto de su género principal así que preferí dejarla por fuera.

Y ahora estoy en una nueva encrucijada. Spring tampoco es realmente una película de terror. Es una película romántica que integra elementos de horror y ciencia ficción. De acuerdo a la lógica anterior tampoco debería estar escribiendo sobre ella aquí... pero es que es una película tan única y diferente y los elementos “fantásticos” son tan interesantes que no quería quedarme sin hablar de ella.

Además este es mi blog y hago lo que me da la gana.

Durante la primera media hora de Spring nos preguntamos si estamos viendo la película correcta. Se nos cuenta la historia de Evan, un joven que tras perder a su madre y meterse en algunos problemas en California, decide huir hacia Italia, donde llega a un pequeño pero hermoso pueblo turístico en el que conoce a una chica espectacular, comienza a salir con ella, charlan sobre la vida, sobre ellos, sobre sus países... tienen sexo... y entonces la chica se despierta, decapita un gato y se le come la cabeza.

Eso fue bastante repentino.

Esta película se enfoca en la relación de Evan con esta chica llamada Louise y que obviamente esconde un gran secreto. Aunque la intriga que causa el conocer la naturaleza de esta mujer y el posible peligro que corra él al permanecer a su lado está muy bien manejada y mantiene el interés, el verdadero corazón de Spring se encuentra en la relación de ambos, en sus diálogos y en la química que hay entre ellos. (lol, química). En ese sentido no se diferencia mucho de películas como Before Sunrise (uno de los films que más amo en el mundo) o Before Sunset resultando en una bonita, sincera y hasta enternecedora relación entre los protagonistas.

Por el lado del terror, tenemos unas secuencias de transformaciones tremendas fruto de un magnífico trabajo de maquillaje y un poco de CGI. Algunos se los seres que vemos estan llenos de tentáculos y escamas y resultan tan aterradores como llamativos. Puedo decir que especialmente uno de ellos no se parece a nada que haya visto antes en ninguna película.

Usualmente el tema de las transformaciones y de pesadillas genéticas y bioquímicas se usa en los filmes de terror como metáfora del paso a la adolescencia, pero aquí se usa de una forma mucho más madura para explorar un poco temas como el ser humano, la existencia de dios, la naturaleza del amor, la mortalidad y hasta el duelo por los seres queridos. De esa forma durante todo el film vemos imágenes simbólicas como animales pudriéndose, plantas floreciendo, hongos consumiendo árboles, tierra volcánica y hasta injertos de frutas.

A pesar de todo esto tan interesante que les estoy contando, no quede completamente satisfecho con Spring a causa de su último acto en el que el desarrollo toma notas de clichés como “El amor lo puede todo” y un final menos ambiguo de lo que parece. Creo que todo se debe a que el personaje de Evan, pese a que lo presentan como un chico decente y una buena persona, no me terminó de agradar por completo, había mucho de “bro” en él y ver cómo la trama decide seguir sus caprichos en detrimento de su infinitamente más interesante compañera me enojó un poco.

Pero es una gran película sin duda alguna. No hable de su genial fotografía, de la forma en que usa drones para dar grandiosidad a varias escenas y obviamente no comenté mucho de su trama para no spoilearla, pero acepten esta recomendación, ya sea porque disfrutan del Body horror y quieren ver un giro interesante sobre el estilo Cornenbergiano o porque extrañan la relación de Ethan Hawke y Juliet Binoche cuando eran jóvenes.

Lo Bueno: La cantidad de temas que aborda, las transformaciones, la bella fotografía.

Lo Malo: Me parece que en últimas se va mucho hacia “el poder del amor”.

Lo Feo: No ver más de las fantásticas escenas de transformación.

CALIFICACIÓN: 7.5/10

The Green Inferno

Año: 2015 Pais: USA Director: Eli Roth Género: Canibalismo Versión: DVDRip

Ah! que bien se siente volver a ver una película de Eli Roth tanto tiempo después de mis queridas Hostel y Hostel: Part II. Por supuesto que vi Knock, knock y me gustó (leán mi reseña), pero esa no es realmente una película de Roth, es decir, no tiene su característico manejo nihilista de la violencia y el gore. The Green Inferno era una película que esperaba ver con mucha ansiedad y los retrasos que sufrió durante casi un año por temas legales con su distribuidora solo sirvieron para aumentar y aumentar mi hype.

Y me alegra decir que valió la pena la espera.

Comencemos por lo obvio. Esta película está obviamente inspirada tanto en temática como en estilo por los films mondo italianos sobre tribus caníbales de los 70’s y los 80’s como Cannibal Ferox o la mítica Cannibal Holocaust, un infame subgénero que estaba prácticamente muerto y que me alegra ver regresar. Este, al igual que esos “clásicos”, está definido principalmente por el gore y teniendo al gran maestro Greg Nicotero obviamente no iba a decepcionar. La violencia en este film es brutal, desagradable y malintencionada, como debe ser: decapitaciones, desmembramientos, degollamientos y demás acciones agradables contra el cuerpo humano están realizadas con la mayor espectacularidad que permiten los efectos prácticos y la cámara en ningún momento deja de mostrarnos el sangriento resultado. Por si esto no fuera suficiente para incomodar a la audiencia también hay un par de gags desagradables sobre diarrea y masturbación... y si eso aún no es suficiente tenemos la constante amenaza de mutilación genital contra la protagonista. The Green Inferno hace todo lo posible por mantener perturbados a los espectadores, y eso me encanta.

Claro que el gore no es lo único que resalta aquí. El trabajo cinematográfico es realmente muy bueno y permite apreciar el amenazante esplendor de la belleza amazónica. Me encanta también la forma en que luce la tribu cuyas pieles coloridas resaltan contra el verde predominante de las escenas. Me hubiera gustado mucho que los decorados especialmente en la villa canibal fueran más vistosos y detallados pero no se diferencian mucho de lo que vemos en otras películas. En contraste tenemos la riqueza en el diseño del maquillaje corporal de algunos miembros de la tribu como la anciana o el cazador y el que ponen a la protagonista en un momento del film. Este detalle me hace preguntar sobre la estructura de la tribu y el significado de los símbolos y colores que vestían, sobre todo porque hay interesantes políticas de género ahí que no son explicadas por completo.

Notarán que hasta ahora no he hablado de la trama, y que que quería dejar eso de último. La historia nos hace seguir a un grupo de activistas que viajan a la selva peruana para impedir que una compañía maderera arrase con una aldea indígena. Una causa noble sin duda alguna, pero llena de matices complicados, sobre todo cuando estos “héroes” terminan siendo devorados por la misma tribu que intentaban proteger. Al comienzo del film vemos al grupo de activistas haciendo huelga de hambre para lograr un seguro de salud para los conserjes de una universidad... pero por ningún lado vemos a los conserjes y cuando están camino a Perú para proteger a esta tribu hablan de estar haciendo su sueño realidad. Esto es porque en realidad sus objetivos no es el bienestar de estas personas, sino una forma relativamente egoísta de autosatisfacción. Van “de causa en causa” volviendo el activismo una profesión en la que lo que importa para ellos es luchar por una causa, la que sea, y no realmente el afectado. No le estan ayudando a luchar, estan luchando por ellos para sentirse importantes.

Esto además se presta para que muchas personas bienintencionadas, como nuestra protagonista, termine luchando por una causa sobre la que no está bien informada y beneficiando los intereses de los terceros que los manipulan (si entran a twitter y miran los movimientos “pro-gamers” verán muchos ejemplos de esto). Aprovecharé para recomendarles a ustedes que, si suelen mezclarse en temas de activismo (y no hablo de activismo de sofá o de usar un hashtag en twitter. Eso rara vez sirve de algo), miren bien la causa que esten apoyando y traten no de luchar en nombre de los afectados, sino de ayudarlos a luchar.

Antes de terminar debo agregar que algunas organizaciones han criticado a la película por lo que ven como una “representación racista de las tribus indígenas aisladas”. Hay algo de validez en esa crítica pero el mismo Eli Roth ha dicho que en vez de enfocarse en el film, traten de hacer algo contra las compañías de gas que todos los días arrasan con tribus indígenas reales en el amazonas.

Lo Bueno: Fantásticos efectos de gore y una crítica más que justa a algunos movimientos activistas.

Lo Malo: La estructura puede hacerse bastante familiar (jovenes privilegiados van a lugar exótico y terminan pasándola muy mal) porque es la misma de los films de Hostel.

Lo Feo: La más que innecesaria escena post-créditos.

CALIFICACIÓN: 7.5/10

Krampus

Año: 2015 Pais: USA Director: Michael Dougherty Género: Criaturas Versión: Teatral

El comienzo de Krampus no podía ser más perfecto ni menos sutil. Una estampida de gente en un centro comercial en época navideña atacándose entre si, sucumbiendo al consumismo y gozando de la desgracia ajena todo al ritmo de It’s beginning to look like a lot like christmas. Es imposible que tras ver esto no quede claro que la intención de este film es acabar con la ridícula imagen de la navidad como tiempo de paz, felicidad y armonía en familia y presentarla como la época caótica, estresante e hipócrita que en realidad es.

Ejem... lo siento, que no se note mucho que no me agrada mucho lo navideño. Continuemos.

Luego conocemos a la familia protagonista que se dispone a celebrar estas fechas. Sabemos que son buenas personas y que en el fondo no quieren más que pasarla bien en familia, pero saben que no será así. La tradición los obliga a invitar a hermanos, tíos y sobrinos con los que no se llevan del todo bien y como era de esperarse las cosas no salen del todo bien (algo que cualquiera que asiste a una fiesta navideña con su familia extendida sabe). Tras todo este caos una poderosa tormenta de nieve cubre el vecindario y comienza “la diversión”. Una antigua fuerza ha llegado al pueblo y sus sirvientes se aseguraran de que esta sea una navidad inolvidable... para los que sobrevivan.

Pero esta familia no es solamente una serie de personajes que van a ir cayendo en las garras de los monstruos, pues mediante ellos el director logra poner a la navidad en un contexto mucho más político de los esperado y mediante sus simples conversaciones, bromas y actitudes tan abiertamente “demócratas contra republicanos” nos presenta temas como la supuesta “guerra contra la navidad” en Estados Unidos, el cambio climático, el porte de armas y hasta la pobreza. Claro que el guión toma una posición contra el conservatismo, algo con lo que no me podría encontrar más de acuerdo.

El terror viene de una forma algo diferente y cómica: pequeños pero malvados hombres de jengibre, regalos asesinos o un Jack-in-the-box gigante y hambriento de carne humana son algunos de los símbolos navideños corruptos que van a castigar esta familia por haber perdido el espíritu de paz y reconciliación que se supone debe reinar entre ellos. Todos ellos son una combinación de efectos prácticos y CGI bastante buenos que resultan no tanto en horror como en un humor slapstick muy parecido al de películas como Evil Dead 2 o Gremlins... sobre todo esta segunda debido a la falta de sangre y gore. Y es que si hay algo que lamento de esta película es que no haya apostado por una clasificación “R” ya que de solo imaginar el resultado de haber permitido que esta blanca navidad se manchara de rojo me estremezco. Hubiera podido aprovechar más el ambiente navideño y el diseño de las demoníacas criaturas para crear escenas de muerte y violencia realmente memorables, así como está ahora los personajes que mueren suelen ser simplemente arrastrados fuera de la pantalla... y ya.

Pero comprendo las razones por las que hicieron de esta una película PG-13 (apta para niños mayores de 13 años) y siento que gracias a esto puede ser recordada por las generaciones jóvenes como una verdadera película de culto al estilo de la mencionada de Joe Dante, o incluso en un clásico navideño. Definitivamente los pequeños son quienes más risas y sustos saquen de Krampus. Además, siendo sincero, esta película no necesita realmente de violencia gráfica para lograr su cometido, el simple diseño de los monstruos y sus acciones bastan para crear tanto humor como terror. Y vaya que son diseños geniales! en especial el del monstruo titular que no se limita a su típica representación animalesca o demoníaca, sino que en verdad lo convierten en una representación oscura de Santa Claus, o como lo llaman en la misma película, “su sombra”.

Es posible que este tono decepcione a los que esperaban un film de horror “puro y duro”, incluso cuenta con una secuencia animada que puede romper el tono del film, pero yo lo encuentro perfecto (después de todo no hay que tomarse tan seriamente la navidad). La recta final de la película me estaba sacando un poco de onda al ser tan ambivalente sobre el camino que iba a tomar hacia una conclusión alegre o trágica, pero terminé bastante satisfecho con lo que hace. Ya para terminar les quiero recomendar mucho esta película si lo que quieren es pasar un buen rato entre la comedia y el terror. Puede que no este a la altura de la anterior obra de Dougherty (la genial Trick ‘r Treat) pero se le acerca bastante y sin duda nos ofrece una nueva película que vamos a ver con mucho gusto cada diciembre.

Lo Bueno: Geniales diseños tanto de criaturas como escenarios y una crítica mordaz contra la cultura alrededor de la navidad .

Lo Malo: Abusa un poco de la simbología del “símbolo navideño siendo destruido”.

Lo Feo: Que todavía no anuncien una figura de lujo de este Krampus. Si algún día la sacan será la primera vez que ponga en mi apartamento una “decoración navideña”.

CALIFICACIÓN: 7.5/10